jueves, 14 de julio de 2011

Fotografía de moda.

Si no existiese la fotografía, la moda no tendría fuerza, porque como bien dicen "una imagen vale más que mil palabras".

La fotografía refleja la moda desde un punto de vista creativo, engloba la moda dentro de un mundo de ensueño, trágico, limpio, romántico, entre otras cosas.





Inicios de la fotografía de la moda


Cuando en 1830 apareció la fotografía y empezó retratando la naturaleza y la arquitectura, para reflejar la realidad del mundo que nos rodea, nunca se imagino que también sería un elemento vital en el mundo de la moda.

Lo que empezó en 1850 como una fotografía que retrataba a la nobleza y a las actrices fue evolucionando, así fue que en los años 20/30 se empezaron a ver fotografías comerciales y artísticas.





GRAN evolución de años 40 a los años 50

Durante la Segunda Guerra Mundial, hay pocas ganas de moda, por lo tanto se realiza una fotografía práctica utilizando los mismos recursos consecutivamente, las mujeres tardaron muy poco en adaptarse y crear una moda para poderse protegeren la guerra, pero sin perder el estilo y el glamour.
 Una vez acabada la guerra, aparecen las ganas de cambiar el look algo triste y las ganas de consumir, y eso se refleja en las portadas de las revistas de la época, mostrando unas imágenes con movimiento, resaltando la silueta femenina de la mujer. Los fotógrafos por excelencia de los años 50 son Richard Avedon, Irving Penn.




Explosión juvenil de los 60's 70's y los 80's.


En los años 60 justamente en Inglaterra se produce una explosión por parte de los jóvenes, cansados de vestirse siempre con lo mismo y mal, adaptando un estilo Rock and Roll, y de esa manera se reflejaban en las revistas mujeres que imitaban a las niñas y hombres más sexuales evocando a los Beatles dentro de un mundo lleno de fiesta, como su fotógrafo David Bailey, que fotografiaba en primera linea acudiendo a las mejores fiestas y actos importantes.

Pero tanta fiesta termina cansando y en los años 70 aparecen las revoluciones sexuales, sociales como los hippies, y la revolución estética causada por este grupo social que rompe con la elegancia, y tanta revolución hace que los fotógrafos Helmut NewtonGuy Bourdin retrata una moda muy personal y polémica.

Y con los años 80 aparece la frialdad y desaparece la seriedad. Lo más característico en la fotografía fue el consumismo de la época, atrás quedo el autoconsumismo hippie para dar paso a una moda más comercial y publicitaria, y así lo reflejaron algunos de sus fotógrafos como Patrick Demarchelier, Bruce Weber u Oliviero Toscani, este último conocido por sus polémicas campañas para Benetton.






Desde los años 90 hasta la fotografía de hoy en día

Llegaron los años 90 y con ellos el minimalismo y el auge de las supermodelos. Los fotógrafos empiezan a caracterizarse entre ellos, adquiriendo su propia personalidad en las fotografías. Algunos de los fotógrafos más representativos de la época son Mario testino, Steven Meisel.
Seguidamente se llega al postmodernismo, demasiada moda, todo está muy comercializado, por ello se idea hacer una moda menos comercial y mas artística, una fotografía como la de Terry Richardson o Juergen Teller que reflejan el realismo.


Paolo Roversi, Steven Klein, David Sims, Tim Walker, son algunos de los fotógrafos que hoy en día vemos en las revistas de moda más prestigiosas, de los que podremos encontrar de su vida y sus trabajos mas adelante.










RICHARD AVEDON
(1923-2004)
Nueva York

  • Fotógrafo de revistas de moda como Harper's Bazaar, Vogue y el semanario The New Yorker.
  • Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad).


  • Sus fotos de moda ayudan a definir el estilo, la belleza y la cultura de EEUU.
  • Captura la emoción, liberta y energía de la moda.
  • Avedon sometía a sus modelos a largas sesiones de cuatro horas, para que estos se cansaran y de esa manera expresaran sus sentimientos mas naturales y profundos.




  • Se caracteriza principalmente por capturar el alma de las personas que fotografea
  • Sus modelos se convertían en personas libres, con sentimientos, con vida, fuera del encorsetamiento propio de la sociedad.
  • Sus fotografías eran ágiles y llenas de vida.







Irving Penn.
 (1917-2009)
Nueva Jersey




  • Realizó fotos por encargos provenientes de todo el mundo. Tal como Richard Avedon, Penn se hizó célebre especialmente por sus trabajos en fotografía de moda. Pero Irving Penn nunca se interesó por la fotografía de exteriores, ni tampoco por las escenas callejeras o de café.Permaneció fiel durante toda su vida a las tomas en estudio y bajo determinadas condiciones de iluminación.



  • La personalidad de la modelo tiene lugar importante en su fotografía de moda, y a menudo, las imágenes están muy próximas del retrato.



  • Para Irving Penn, como para otros grandes fotógrafos de nuestro tiempo, los propios intereses fotográficos y la fotografía de encargo acaban siendo la misma cosa. Son expresión de una visión del mundo, de un especial interés por el medio fotográfico, que ofrece la posibilidad de aproximarse de una forma muy particular a sus semejantes y al medio circundante, para interpretarlos finalmente de una manera inconfundible.






DAVID BAILEY
1938
Leytonstone, Londres



  • Bailey desarrolló un amor por la historia natural, y esto lo llevó a la fotografía

  • En 1959 se convirtió en asistente de fotografía en el estudio de John French, antes de ser contratado como fotógrafo de moda de Vogue la revista en 1960. También realizó una gran cantidad de trabajos independientes.



  • Fotografía de moda, covers para álbumes de música, publicidad y documentales han sido y siguen siéndo sus principales trabajos.
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  • Premios, incluidos los de los anuncios y documentales:
    • The Golden Lion - Cannes
    • The Cleo - America
    • American Television Award
    • D&AD Gold - London
    • EMMY Award - America
    • 1998 D&AD - Presidents Award - London
    • 2001 Awarded CBE
    • 2005 Centenary Medal RPS
    • 2006 Lucie Awards
    • 2008 New York Arts Club Gold Medal
  • miércoles, 13 de julio de 2011

    Helmut Newton



     (31 de octubre de 1920 - 23 de enero de 2004)
    Es uno de los grandes fotógrafos que nos ha dejado el Siglo XX. Artista sin igual; ha impregnado en cada una de sus fotografías un sello original y distinto que permite diferenciar su trabajo del de cualquier otro artista.

    El trabajo de Newton es característico. Si bien la parcela de la moda es la más conocida, sus fotografías no sólo se quedan en bellas modelos y ambientes lujosos.

    Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.

    El talento de Newton va más allá. El aura de elegancia y sobriedad impregna el acetato del alemán, aficionado al desnudo y a la seducción femenina. Siempre ha sido un enamorado de la belleza de la mujer y ha sabido plasmarla como nadie.





    Sugimoto

    Hiroshi Sugimoto (杉本博司 Sugimoto Hiroshi), nacido en 1948, es un fotógrafo japonés radicado en Nueva York







    Para el la verdadera realidad se encuentra en el orden plegado de las cosas.

    Rompe con el purismo

    Habla de lo irreal que nos rodea.

    "El tiempo probablemente es una ilusion nuestra" - Hiroshi Sugimoto.

    Sugimoto nunca había encontrado un modo tan sorprendente de mostrar el vacío como en sus fotografías de arquitectura moderna y contemporánea. Son como las fotografías de los dioramas y el museo de cera en tanto que logran que sus temas parezcan irreales –deshabitados, no parecen edificios sino como maquetas o incluso juguetes, al menos cuando se los muestra aislados de sus contextos urbanos.

    Duane Michals



    1932 Pensilvania EEUU

    Duane Michals,es un fotografo americano que acredita su fama y su singular mirada a la falta de educación formal como fotógrafo, un autodidacta, es uno de los máximos exponentes de la fotografía conceptual y filosófica

    De hecho, casi siempre sus imágenes se construyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y su rostro.



    Juega con la realidad.

    Incluye algunos manuscritos en sus trabajos.

    Coquetea con el surrealisto

    Fabrica la realidad antes de mostrarla.


    Bibliografia:
    http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/duanemichals.htm

    Michiko Kon




  • Nace en Kanagawa Prefecture, 1955.




  • Estudia arte y después se inclina a la fotografía.




  • Cree que la obra no tiene para que vivir fuera de la foto.




  • Hace arte objeto, lo registra y lo destruye.




  • Vive cerca del mercado de pescados.





  • Utiliza fondos negros y transparentes para realizar reflejos.





  • Dice que el arte contemporaneo no es para colgarse.




  • Joel Peter Witkin

    "La rara belleza de lo horrible"


    Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939en Brooklyn , Nueva York).

    Es retratista, no de gente, sino de la condición del ser.

    No se ajusta a los cánones de belleza que marca la televisión ni modelos sociales, donde lo fe o muerto se deja de lado.


    Es un fotógrafo muy pelicualiar, su trabajo tiene un impacto muy fuerte porque esta uno mirando les restos de una vida humana, o la evidencia de lo que fue una vida.

    Witkin va mas alla de lo normal, intenta dar mensajes a través de sus fotos que no pueden leerse a la primera vista, pero en el momento en el que se es interpretada nos damos cuenta de la capacidad intelectual de este fotógrafo plamado en sus obras.



    Sus fotografias son totalmente armadas y pensadas, desde el modelo, hasta el escenario. Es una composición totalmente artística.

     "Pienso que lo que hace que una imagen sea poderosa, es que a diferencia de otros medios, como el vídeo o el cine, aquí se trata de la quietud. Pienso que alguien que se hace fotógrafo es porque quieren absorberlo todo y comprimirlo a que quede en una imagen fija. Cuando realmente quieres decirle algo a alguien, los agarras, los tomas y abrazas. Eso es lo que ocurre con la imagen fija." -Joel Peter Witkin.


    Bibliografia:

    http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/witkin/jpwdefault2.html

    jueves, 7 de julio de 2011

    Tipos de objetivos.

    Existen cuatro tipos de objetivos:

    1. Ojo de pez
    2. Gran angular
    3. Objetivo normal
    4. Teleobjetivo.



    OJO DE PEZ

    • Con una clara vocación creativa, los ojo de pez son objetivos con un angulo de visión extremadamente amplio, llegando hasta los 180º. La diferencia frente a los grandes angulares es que las imágenes se ven muy distorsionadas, como si estuvieran reflejadas en una esfera.
    • Cuenta con distancias focales de 5 a 17mm.




    GRAN ANGULAR

    • Deforma la imagen, los objetos cercanos a la cámara aparecen muy grandes con relación a los objetos mas alejados.
    • Tiene una abertura de entre 60 y 180º 
    • Nos sirve para reportajes, arquitecturas, interior de habitaciones, coches, etc.
    • Por lo general se utilizan cuando se trabaja en un espacio reducido y se quiere captar mucho, o simplemente se quiere mucho exterior.
    • La distancia focal de estos lentes en equivalente de 35mm tiene que ser menor a 50mm





    OBJETIVO NORMAL

    •  Es un lente que reproduce las perspectivas de manera muy similar a como lo hace el ojo humano
    • Cubre de 46 a 66º
    • La distancia focal de un lente normal es de 50mm
    • En la escala de objetivos se encuentra entre un gran angular y un teleobjetivo.


    TELEOBJETIVO

    • Tiene un angulo menor a 31º
    • Su principal característica es formar en la cámara imágenes grandes de los objetivos alejados.
    • Se utiliza para paparazzi.


    Dentro de los teleobjetivos:

    Teleobjetivo corto: Oscilan entre los 18 y 135mm de focal.
    Teleobjetivo normal: Oscilan entre 135 y 240mm
    Superteleobjetivos: Oscilan entre 240 y 500mm
    Ultrateleobjetivos: Oscilan mas allá de los 500mm


    Bibliografia:
    http://www.xataka.com/

    ISO / ASA

    El ISO, antes conocido como ASA es la sensibilidad que puede tener una película o un sensor a la luz.

    Entre mayor sea el número significa que la cámara necesita menos luz para tomar una foto, es decir, una foto que normalmente no se podría tomar con ISO 100 por falta de luz, se puede tomar si utilizamos un ISO 400

    El ISO entre 125 y 200 se utiliza para retratos ya que mientras mas pequeño es el ISO, mas porcelanizada quedará la piel.

     ISO 400 se puede utilizar con una luz natural
     ISO 800 se utiliza para dias nublados


    La rapidez de la película también se indica en grados ASA o ISO.

    En una película de 800 ASA tiene una sensibilidad doble que otra de 200.

    Cuanto mas rápida sea una película, menos exposición requiere, aunque la imagen tendrá mas grano.




    Bibliografia:

    http://www.memoflores.com/

    Cualidades del sujeto

    La cualidades del sujeto son cuatro:

    1. Linea
    2. Ritmo
    3. Forma
    4. Textura.

    LINEA

    Proporciona la estructura de la imagen. Unifica la composición, llevando de una parte a otra de la fotografía; centra la atención en el lugar conveniente o aleja la vista hacia el infinito; y, por repetición, crea el ritmo. También da sensación de profundidad.
    La disposición general de las líneas comunica ritmo a la imagen. Por lo general las líneas oblicuas, curvas y en espiral dan sensación de movimiento y de tensión. Las verticales y horizontales determinan un resultado más estático. El formato vertical refuerza las verticales, y viceversa.
    No son los bordes de los objetos el origen de todas las líneas: el alineamiento de los objetos mismo también las crea. Variando el punto de vista puede alterarse la dirección aparente de las líneas.


    TEXTURA

    Representa las cualidades de superficie de un sujeto. Puede usarse la textura para dar realismo y carácter, y hasta puede convertirse en el tema mismo de una fotografía. Se consigue fotografiando de cerca o a una distancia suficiente como para que las distintas superficies se funda y creen la textura.
    La calidad y dirección de la luz son de capital importancia al reproducir la textura: tendrá que dar una amplia gama tonal, que puede aumentar la exposición y el positivado. Para trabajar muy de cerca es imprescindible un objetivo de calidad para que el resultado sea nítido.




    RITMO

    Consiste en la repetición de líneas y formas.
    Al emplear el ritmo es importante incluir alguna variación, para que la repetición no se haga monótona. En ocasiones la variedad puede proceder de la combinación de diferentes pautas rítmicas.
    Aunque no puede decirse cuál es la luz mas adecuada para el ritmo, cabe afirmar que el contraste tonal y la supresión de elementos como la textura y el volumen lo refuerzan.




    FORMA Y VOLUMEN.
    Basta con la silueta o el perfil de un objeto para poder reconocerlo. Muchas veces es mas interesante solo una fracción de algo que el objeto completo.
    Las formas resaltan más colocadas contra un fondo plano y contrastado. Debe de buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo.
    El ejemplo más extremado es el de la silueta, en el que la forma se ve ademas reforzada por la eliminación del volumen y la textura.
    Cuando un tema incluye varias formas predominantes, hay que tratar de situarlas de manera que combinen unas con otras, evitando los conflictos y creando un ritmo o una corriente que anime al espectador a explorar la imagen.




    Bibliografia:
    http//anderinamandarina.blogspot.com


    Composición fotográfica.

    Reglas de composición fotográfica y elementos.



    CENTRO DE INTERES.

    • El centro de interes de la foto debe de ser obvio para quien la mira.

    • Aunque se denomine "centro de interes", este no debe de ser necesariamente el objeto que se encuentra en el centro, ni la que ocupa la mayor parte de la imagen.

    • El encuadre debe de rellenarse.





    REGLA DE LOS TERCIOS

    A continuación se muestra es esquema que representa a la regla de los tercios. Este nos explica como es que la fotografia se divide en 9 cuadros.


    En el momento de disparar debemos de tomar en cuenta las siguientes reglas:

    • Nunca deben de competir los elementos. (Uno siempre debe de ser el principal)
    • Cuando sea una foto de perfil, siempre se necesita mas espacio enfrete del objeto, que detras de el.
    • El fondo no debe de confundirse, ni de competir con el motivo principal. (Para esto simplemente el fondo se puede mandar fuera de foco o neutralizarlo).




    ANGULOS DE TOMA

    • Se debe de encontrarse el angulo perfecto en el momento de realizar el disparo, ya que dependiendo del angulo del que se mire el objeto este puede tener resultados totalmente diferentes.

    • Siempre se debe de fotografiar al motivo al nivel de sus ojos, para que de esta manera se pueda captar la realidad que el percibe.


    LINEAS

    • Estas deben de ser ordenadas, que no se crucen y a ser posible que confluyan con puntos fuertes.
    Por ejemplo:


    (En esta foto se muestra como es que el objeto ademas de estar acomodado en uno de los puntos de interes; las lineas que aparecen tambien confluyen con estos puntos fuertes.)

    • Las lineas aportan formas y contornos. Con ellas dirigimos la mirada del espectador.

    • Las lineas horizontales transmiten sensación de estabilidad, calma o descanso, por lo que este tipo de fotografias en veces pueden volverse aburridas.

    • Las lineas convergentes o también llamadas paralelas dan un efecto de distancia, lo que hace que parezca que terminan convergiendo en un mismo punto.



    martes, 5 de julio de 2011

    Obturador.

    El obturador es un dispositivo mecánico que controla el tiempo durante el que la luz actúa sobre la película.

    La escala de velocidades de obturacion:


    Para crear barridos en las fotografias se necesita trabajar con velocidades pequeños. de 1/30 hacia abajo, pero se debe de estar consiente que entre menor sea el número, el objetivo se logrará mejor.






    Y para los congelados es lo contrario; se deben de utilizar velocidades grandes, a partir de 1/500 se puede obtener un buen congelado.



    Los números altos --> velocidades rápidas
    Los números bajos --> velocidades lentas. 


    El bulbo es la escala mas pequeña en las velocidades de obturación. Esta por lo general se utiliza en la noche para poder captar la luz. De tomarse una foto con bulbo con la luz del dia obtendriamos una imagen totalmente blanca.


    Diafragma

    Abertura del diafragma.

    El diafragma es la abertura variable del objetivo. Controla la cantidad de luz que llega a la película.


    A cada posición del diafragma corresponde un número "f" (feet) (velocidad de abertura)


    El f/1.4, f/2, f/2.8 y f/4 se utilizan para realizar PRIMEROS PLANOS.
    El f/5.6 y f/8 para realizar PLANOS MEDIOS.
    Y del f/11 en adelante se utilizan para PROFUNDIDAD DE CAMPO.


    La linea HIPERFOCAL: es la que se presenta hasta la mitad de todo lo que alcanzamos a ver.
    Para realizar una buena fotografia se debe enfocar en la linea hiperfocal (osea a la mitad de lo que percibimos).

    Por ejemplo:


      En la imagen anterior vemos como es que aunque la fotografia quiera captar todos los arboles que aparecen el enfoque se va a realizar en el que aparece en la mitad.